Vieron Batman? y Wieron Wall-e?

Batman tiene una interpretación soberbia del Guasón, pero dialogos abundantes y poco convincentes. Intentos de metafísica sobre heroes, máscaras, idealismos, realidades, violencias y conformismos.

Wall-e , por otra parte, es una película casi muda y hecha para niños. Y me pareció más profunda. Al menos, aprendí más. Batman no me dió nada que pudiera llevara a casa, excepto por un Wow.

¿Que opinan?

Vi Metropolis.

No la versión de Lang, sino la de Osamu Tezuka. Como era de esperarse, es un constante Deja Vu hacia los tiempos de astroboy. La animación es muy pulida, pero los personajes son tan parecidos a los de la vieja serie que ya no se si definirlos como homenaje, como arquetipo o como cliché… Ante esa duda, no ahondaré en lo visual y pasaré mejor a lo social.

La Metrópolis de Tezuka, al igual que la del original, está una versión retrofuturista de los fabulosos 20.

Como los verdaderos 20, la estratificacion es apabullante. Los ricos y los pobres estan en niveles obscenamente separados. Esa separación, que en la vida real fue metaforica, es literal en la animación: El proletariado esta metido en subterraneos bajo otros subterraneos, mientras que los rascacielos son un cielo inalcanzable en el que vive la aristocracia del capital.

Esta estratificacion social esta aun mas acentuada en la versión animada de Tezuka, ya que los robots son una tercera clase, a la que los capitalistas ven como herramientas, y los proletarios como una amenaza que se llevará su ya bastante escaso pan.

Viendo la pelicula, intentando adivinar lo que estaría pensando su autor, caí en cuenta de que esta película no la podría escribir alguien que no estuviera preocupado acerca de la injusticia social, y de la relación entre la riqueza, el poder y la opresión.

Creo que yo nunca podría haber creado algo así. No podría siquiera haber soñado realmente con ese mundo: La injusticia nunca se cuenta entre mis preocupaciones.

Feo asunto.

La película y el review son cortesía de Victor. Muchas gracias!

Hedwig y su banda pan-eslava recorren América en la sombra de la gira de Tommy Gnosis, una estrella de rock and roll con éxito comercial inmerecido quien, según las acusaciones de Hedwig, le robó todas sus canciones. La película nos transporta al caótico mundo de Hansel, quien a través de canciones muestra su complicada existencia, resultado de una infancia en Berlín de Este en la época del Muro y de una fallida operación de cambio de sexo. Hansel cambia de nombre e identidad para casarse con una soldado americano quien le ofrece escapar de la opresión de la Alemania comunista a cambio de dejar “algo” atrás. Un año después, el ahora Hedwig, se encuentra solo en Estados Unidos después de haber sido abandonado por su amante, y decide regresar a sus primer amor: la música. Eventualmente conoce a Tommy Gnosis, quien se convierte en su aprendiz y el gran amor de su vida.

Hedwig and the Angry Inch es una historia que primero recorrió el mundo del espectáculo en forma de obra de teatro, e hizo su debut en la pantalla grande en el año 2000. Se convirtió en una película insignia tanto para la comunidad gay y transexual como para el glam rock. Llevándonos con nostalgia a la época de los fundadores y más grandes expositores de este género: John Lenon, Lou Reed, Iggy Pop, y David Bowie.

“respira, siente, ama, da libremente, porque sabes en tu alma, así como tu sangre sabe el camino de tu corazón al cerebro, que estas completo…”

Cameron Mitchell se despide con estas palabras, junto con un enigmático final lleno de simbolismos de muerte, renacimiento, la dualidad humana, la emancipación y un claro mensaje: lo sueños, el amor, los amigos y los amantes…todos son pasajaros en nuestra vida que nos llevan lejos, que se quedan con pequeños pedazos de nuestro corazón, pero al final del camino nos encontramos solos, frente a la vida, la muerte, el destino y que todo lo que necesitamos en nuestras vidas esta a nuestro alcance. Mirándonos del otro lado del espejo.

(Actualizado, tras plática con Dijiko Chan. Modificaciones en itálicas)

Rompiendo con la costumbre, fui a ver “Los Falsificadores” al cine. Normalmente veo las películas en mi pequeña sala de proyecciones, y los compañeros de asiento me recordaron rápidamente por que: Toses, celulares, churros grasientos… Pensé que no iba a poder disfrutar de la película, pero en eso se encendió el proyector y me fuí a otro mundo.

Lo primero que llamó mi atención fue la fotografía. Las imágenes que proyectaron tienen mucho en común con las que me gusta tomar: Grano grueso, colores levemente desaturados y tintes poco confiables que a ratos se corren hacia el verde y a ratos hacia el violeta. Aunque la película es contemporánea, el estilo de fotografía me llevó inmediatamente al pasado en el que la trama se desarrolla, y lejos de los no tan bienvenidos compañeros de butaca.

Lo segundo que me jaló hacia la acción es el vestuario: Dicen que la moda alcanzó su punto máximo a principios de siglo, y empezó a decaer de los 60s para acá. Los vestuarios de esta película, que se ubica en la Europa de la segunda guerra y años cercanos, me convenció de que en otras décadas la ropa era mucho más elegante y favorecedora, tanto para las damas como para los caballeros.

Mencionaré un tercer detalle estético antes de pasar a los aspectos más existenciales de la cinta: La música.

Por alguna extraña razón, el director decidió que los tangos instrumentales le vendrían bien a la banda sonora de una película ubicada principalmente en un campo de concentración. Dejiko Chan me advirtió que escucharía mucha música chirriante en esta película, así que dí por sentado que escucharía, dado el tema, muchos violines tristísimos y sentimentales. Si algo se le da a los argentinos, es hacer música llena de pathos…

…De ahí mi sorpresa. Efectivamente eran chillones, pero estos tangos venían de las variedades más ligeras y casuales. Bien instrumentados, pero eran música de restaurante, demasiado leve.

En un principio tomé a esta discrepancia musical como señal de que el director no entendía de música.. Pero despues, durante un festival dentro del campo, uno de los prisioneros ameniza cantando “E lucevan le stelle“. Es una pieza particularmente bien escogida para la situación, así que ahora me pregunto si simplemente me eludió el concepto de los tangos…

(Iluminación, cortesía de Dijiko Chan:  Podemos interpretar a los tangos como un viaje del protagonista a su lugar feliz, un intento de evadirse de una realidad demasiado desagradable…Un poco como el tema de Brazil en la película de Gillian.)

Ahora si, vamos a la trama, que esta basada en hechos históricos: Hacia los finales de la segunda guerra, la economía alemana estaba en muy malas condiciones. Matando dos pájaros de un tiro, los nazis arrancan la operación Bernhard:  Reclutan a los impresores, banqueros, falsificadores y demás especialistas de entre los judíos que había en sus campos de concentración, y los ponen a falsificar libras, y después dólares. De este modo reforzarían su economía y simultáneamente desestabilizarían la del eje. Como beneficio adicional, podrían deshacerse de sus falsificadores en cualquier momento para borrar las pistas. ¿Quien iba a echar de menos a una docena de judíos en medio de la segunda guerra?

La historia esta vista desde la perspectiva de Salomon Sorowitsch, que es arrestado antes de la guerra precisamente por haber hecho una falsificación imperfecta del dolar. La operación entonces no solamente le salva la vida, sino que además le da la oportunidad de, ahora si, vencer a ese reto y salvar su orgullo profesional.

Sin embargo, uno de sus compañeros no esta muy contento con lo que están haciendo: El dinero que falsifican salva sus vidas, pero le da a la máquina alemana los recursos que necesita para seguir destruyendo. La tensión de esta película viene de esa disyuntiva, y de la sombra constante del sabotaje.

Otro contraste, y fuente de tensión: El idealismo del saboteador, enfrentado contra la mera supervivencia. En una situación como esa, sobrevivir es en si mismo una meta digna de respeto, una cuestión casi de honor. Aun en la situación casi abyecta del campo de concentración, el protagonista mantiene su dignidad y se hace respetar. Al idealismo intangible del saboteador el opone otra energía que en principio suena similar, pero tiene una naturaleza muy diferente: Enfrenta al idealismo con honor.

El honor no es un idealismo, es la raiz del respeto, y el respeto es un asunto muy práctico.

Termino la reseña con una nota histórica: El saboteador de la película,Adolf Burger, es el único personaje de esta película que realmente existió con sus características y su nombre. Vive todavía, y sus memorias fueron la base de la que partió el film. Los otros personajes, Sorowitsch incluido, son imaginarios, aunque fuertemente basados en la realidad.

Soy fan del Muay thai. Esta película me resultó muy satisfactoria.

La trama es una excusa: Un mafioso de Bangkok, coleccionista de arte, se roba al buda que protege a la región de la que proviene Ting, el protegonista.

Ting es un huerfano criado por los monjes y experto en Muay Thai, asi que la búsqueda del Buda desemboca en innumerables persecuciones, acrobacias y peleas.

Esta es un de esas raras películas en las que los golpes duelen, por que no son CGI, y en ocasiones ni siquiera parecen coreografía. Los actores deben haber salido con más de un morete tras la filmación, tanto las peleas a mano limpia como las de las armas lucen muy convincentes.

En conclusión, nada intelectual, pero como comida chatarra resulta muy sabroso, muy bien logrado.

Va el trailer de la secuela, por si no estan muy convencidos:

http://twitchfilm.net/site/view/tony-jaa-brings-the-pain-weve-got-the-ong-bak-2-promo-reel/

El destino ha estado conspirando muy tercamente para que Haruko-Chan y yo no coincidamos en una proyección. Los dos hemos estado aprovechando el tiempo, de todos modos, y hoy me tocó ver la de “No Country for Old Men”

Es un thriller criminal con mucho estilo, como saben hacerlo los hermanos Coen.
Uno ve muchos muertos en esta película, y son muertes que se sienten muy reales y por lo mismo absurdas en un sentido existencial.

La trama empieza cuando un soldador de algun lugar de Texas se topa con un negocio del narco que se convirtió en una balacera. Nadie vivió para llevarse el botín, asi que cuando Brolin llega basicamente quedan solo cadaveres, drogas y dinero.  Brolin se lleva el dinero e inicia la persecusión.

Brolin tiene algo de coyote. Algo de animal, quiero decir, en su tenacidad y en la cantidad de recursos. Parece que simbolizara a lo vivo. Principalmente, por que su perseguidor es un asesino loco, Chigur, que a mi ver simboliza a la muerte. No llevará guadaña, pero lleva un piston neumático para matar ganado, y es frio, implacable y, sin embargo, caprichoso.
Entonces, hay un nivel en que esta película es una historia sobre la vida, sobre la persecución implacable de la muerte, y sobre como la ambición le da sentido a todo.

Por Sunnier.

A muchas personas la lluvia les inspira, los pone románticos, contenplativos y demás, a otros los pone histéricos, irritables y tristes. Bueno, los cinéfilos eclécticos no podrían quedarse atrás y nos dejámos influenciar un poco. Disfrutando de una tarde nublada, fresca, bebiendo un espresso Filicori (café Italiano) y una tabletita de chocolate, esperé a RED y me preguntaba qué veríamos en la próxima sesión, voilá.

Por Red Robot

El director es Kubrik, ídolo de multitudes. El actor es Nicholson, que solo ha hecho un papel en la vida, pero es un papel admirable. El escritor es Stephen King, que escribe libros como quien fríe papas en el McDonalds, pero indudablemente el hombre conoce su oficio.

La trama, por si quedara algun despistado que no haya visto esta película pese a sus casi treinta años:

Los caminos que llevan al lujoso hotel Overlook se vuelven intransitables durante cinco meses del año a causa de las nevadas. Alguien tiene que quedarse a cuidar. Una vez, ese alguien se volvió loco y mató a su mujer y sus hijas.

Ahora, Jack ha sido contratado como cuidador, y se mudó con su esposa y su hijo. Los dones psiquicos del niño hacen que se de cuenta antes que nadie de que aun quedan energías muy obscuras en los corredores del hotel…Energías que erosionan gradualmente la cordura de Jack.

El resto de la trama ya la descubriran cuando vena la película, pero hay una parte que se presta a la reflexión:

A como avanza la trama se hace claro que el hotel esta habitado por los fantasmas de los ricos decadentes que frecuentaban el lugar décadas atrás. Reviven constantemente sus excesos de antaño, que alternan con los ecos de sus muertes brutales.

Suena como un infierno, para mi, pero también me confirma la teoría de que a uno no lo llevan al infierno, sino que se va ahí por gusto, por que uno encuentra en él algo de placentero.

P.S: La advertencia que encontrarán abajo es correcta: Es una pelícila con pocos momentos de miedo… Casi diría que es algo más bien conceptual que realmente terrorífico. Es una teoría sobre el descenso ala locura y la seleccion de los infiernos personales.

A pesar de la falta de sustos, hay partes que
valen la pena, como las actuaciones de Nicholson y de Duvall, que tiene un rostro perfecto para víctima.

por Red Robot

Ok, confieso que he estado viendo películas sin escribir sobre ellas.

Pensé que si escribía menos, tendría tiempo para ver más.Pero ya dijo Sócrates que la vida que no se examina no vale la pena, y con el cine pasa lo mismo: Si uno ve la película a secas, uno se divierte. Pero si uno sabe que escribirá sobre ella, uno la examina y se pone a pensar en las capas que la componen.Así que heme aquí, escribiendo de nuevo para disfrutar más mis películas.

Este domingo vimos “Ensemble, C’est tout“, que en español se llama “Juntos Nadamás“. No tengo idea como se llama en noruego, aunque por azares del destino esa es la versión que terminamos viendo, con los subtítulos en inglés compitiendo con los otros.

La película narra de forma bastante amena el romance entre Camille (Audrey Tautou) y Franck (Guillaume Canet), que, como buen romance francés, nace de una antipatía mutua y se fortalece con el maltrato.

Conviene, creo yo, no enfocarse tanto en la parte romántica de la historia, y fijarse más bien en las personas: Ella trabaja en intendencia, el es un chef pobre y esclavizado, su compañero de departamento es un vendedor de postales tímido y tartamudo… Y sin embargo, su vida humilde, cotidiana, les ofrece abundantes elementos para la felicidad.

Nunca vemos en el cuadro a nadie que no sea gente común, sin mas herramientas para la vida que una disposición para seguir adelante. No hay héroes, no hay ejecutivos, no hay decisiones dramáticas más allá de las decisiones románticas a veces tontas pero siempre vitales. En esta película no pasa nada, solo hay gente cocinando, limpiando, conversando, enamorándose, peleando…

No vería una película así todos los días, pero me alegra haber visto esta. Es importante recordar que nuestras pequeñas tonterías de todos los días también son historia.

por Sunnier

Con un ánimo autocomplaciente y totalmente egolatra, tuve el deseo de ver ésta película que me recomendara un amigo hace unas semanas. Ensemble c’est tout (2007) éste proyecto apuesta por la sencillez, no nos cuenta una historia triste, dramática, féliz o romántica, mucho menos nos trata de aleccionar o de conmovernos, simplemente es acerca de la vida de 4 personas que terminan compartiendo el mismo apartamento, eso es todo. La trascendencia de la história también dependerá de qué tan identificado te sientas con algún personaje. Yo no me sentí identificada en lo más mínimo con la esquelética Camille, una chica bohemia que dibuja, delgada, amable e independiente con una historia complicada, que es interpreteda por Audrey Tatou, claro comparaciones entre la actríz y su servidora habían tenido su oportunidad desde que el buen personaje de Amelie se proyectara en la pantalla grande, pero no por favor!! Amelie tenía carácter y no fue presa de un drámatico francés que sin ninguna razón aparente pero preciosista (según mi amigo RED) la hace sufrir con sus dudas y actitudes inexplicables.

En fin hablando de cine y sólo eso yo les recomiendo la película para una tarde de ocio con amigas y unas galletitas.

Tengo el deber en éste punto de mencionar a Molière quien se volverá un buen amigo ya que su obra Les Précieuses ridicules promete sociego y sarcasmo a mi alma, claro por recomendación de RED en nuestra platica después de la película, también dejo un autoretrato como regreso a la participación en éste blog con La Tira y para ratificar que mis ánimos son egocentristas y genuinos, c’est tout.